Peinture à l’huile
Les couleurs à l’huile sont obtenues en mélangeant des pigments en poudre sèche avec de l’huile de lin raffinée, c’est en la broyant à forte friction dans des laminoirs en acier qu’on obtention une consistance pâteuse. La consistance de la couleur est importante. La norme est une pâte onctueuse et non filandreuse, ni longue ni collante. Lorsque l’artiste a besoin d’une qualité plus fluide ou plus mobile, il faut y mélanger un liquide comme de la térébenthine de gomme à mâcher pure. Pour accélérer le séchage, on utilise parfois un siccatif, ou séchoir liquide.
Les pinceaux de qualité supérieure sont fabriqués en deux types : les poils de zibeline rouges (de différents membres de la famille des belettes) et les poils de porc blanchis. Les deux existent en tailles numérotées dans chacune des quatre formes régulières : ronde (pointue), plate, brillante (forme plate mais plus courte et moins souple) et ovale (plate mais pointue). Les pinceaux en sable rouge sont largement utilisés pour les coups de pinceau plus doux et moins robustes. Le couteau à peindre – une version finement trempée, fine et souple du couteau à palette de l’artiste – c’est un outil pratique pour appliquer des couleurs à l’huile de façon robuste.
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Pourquoi opter pour la peinture à l’huile
Pourquoi utiliseriez-vous des peintures à l’huile plutôt que d’autres alternatives comme l’acrylique ou l’aquarelle ? Voici quelques raisons :
C’est une peinture qui permet une grande polyvalence. Vous pouvez varier considérablement le temps de séchage et la consistance de votre peinture en utilisant des diluants et de l’huile additionnelle. Cela vous permet de travailler avec un large éventail de techniques de peinture, y compris le mélange, l’émaillage et l’écaillage.
C’était la technique favorite des plus grands peintres de tous les temps. Il est difficile d’argumenter sur les inconvénients de l’utilisation des peintures à l’huile quand tant d’artistes les ont utilisées avec un tel succès.
La plupart des peintures à l’huile réalisées avant le XIXe siècle ont été réalisées par couches. La première couche était un champ vierge et uniforme de peinture diluée appelé un sol. Le sol a atténué le blanc éblouissant de l’apprêt et a fourni une base de couleur douce sur laquelle les images pouvaient être construites. Les formes et les objets de la peinture ont ensuite été grossièrement bloqués en utilisant des tons de blanc, de gris ou de vert neutre, de rouge ou de brun. Les masses de lumière et d’obscurité monochromatiques qui en résultaient s’appelaient les sous-couches.
Évolution de la peinture à l’huile
Les formes ont été définies à l’aide de peinture solide ou de scories, qui sont des couches irrégulières et fines de pigment opaque qui peuvent donner une variété d’effets picturaux. Dans la dernière étape, des couches transparentes de couleur pure appelées émaux ont été utilisées pour donner de la luminosité, de la profondeur et de la brillance aux formes, et les reflets ont été définis avec des taches épaisses et texturées de peinture appelées impastos.
Les améliorations fondamentales dans le raffinage de l’huile de lin et la disponibilité des solvants volatils après 1400 ont coïncidé avec le besoin d’utiliser un autre support que la détrempe au jaune d’œuf pur pour répondre aux exigences changeantes de la Renaissance. Au début, les peintures à l’huile et les vernis étaient utilisés pour glacer les panneaux de tempera, peints avec leur dessin linéaire traditionnel. C’est ainsi, par exemple, qu’ont été réalisés les portraits du peintre flamand Jan van Eyck, peintre flamand du XVe siècle, d’une technique brillante et d’une grande beauté. Le mot « tempera » est tiré du latin qui signifie mélanger ou combiner. Tempérer signifie « mettre une poudre en pâte à l’aide d’un liquide liant pour en faire une peinture ».
Peinture à l’huile au XVIe siècle
Au XVIe siècle, la couleur à l’huile est apparue comme le matériau de base de la peinture à Venise. A la fin du siècle, les artistes vénitiens sont devenus compétents dans l’exploitation des caractéristiques fondamentales de la peinture à l’huile, notamment dans l’utilisation des couches successives d’émaux. La toile de lin, après une longue période de développement, a remplacé les panneaux de bois comme support le plus populaire.
L’un des maîtres de la technique de l’huile au XVIIe siècle fut Diego Velázquez, peintre espagnol de la tradition vénitienne, dont les coups de pinceaux très économiques mais instructifs ont souvent été imités, surtout dans le portrait. Le peintre flamand Peter Paul Rubens a influencé les peintres ultérieurs par la manière dont il a chargé ses couleurs claires, opaques, en juxtaposition avec des ombres et des ténèbres fines et transparentes.
Un troisième grand maître de la peinture à l’huile du XVIIe siècle fut le peintre hollandais Rembrandt van Rijn. Dans son travail, un seul coup de pinceau peut représenter efficacement la forme ; les traits cumulatifs donnent une grande profondeur texturale, combinant le brut et le lisse, l’épais et la fine. Un système de blancs chargés et d’ombres transparentes est encore amélioré par des effets émaillés, des mélanges et des impastos hautement contrôlés.
D’autres influences sur les techniques de la peinture de chevalet ultérieure sont les styles de peinture lisses, finement peints, délibérément planifiés et serrés. Un grand nombre d’œuvres admirées (par exemple celles de Johannes Vermeer) ont été exécutées avec des dégradés et des mélanges de tons lisses pour obtenir des formes subtilement modelées et des variations de couleurs délicates.
Les exigences techniques de certaines écoles de peinture moderne ne peuvent toutefois pas être satisfaites par les genres et techniques traditionnels, et certains peintres abstraits, et dans une certaine mesure les peintres contemporains de style traditionnel, expriment le besoin d’un écoulement ou d’une viscosité plastique entièrement différents de ceux que l’on peut obtenir avec la peinture à l’huile et ses additifs classiques. Quelques-uns exigent une plus grande variété d’applications épaisses et fines et un taux de séchage plus rapide.
Certains artistes mélangent des matériaux grossièrement granuleux avec leurs couleurs pour créer de nouvelles textures, d’autres utilisent des peintures à l’huile beaucoup plus épaisses qu’auparavant.
